De regreso: lenguaje, música y cine

Hemos regresado. Hace poco más de tres años y medio publicábamos el último post (22 de julio de 2010), dedicado al blog «Tête à tête avec la femme du XXI siècle». ¿Qué ha sucedido en tantos meses de silencio? Encargos administrativos nos han alejado del blog. La excusa perfecta para no escribir, es cierto. Aunque estos encargos aún no han finalizado, 2014 debe romper este silencio. Durante estos meses hemos conocido desde dentro los intríngulis de estrategias políticas, a menudo incomprensibles y turbias. Hemos asistido nuevamente a los movimientos que avasallan a la lealtad y nos hemos encontrado más de una vez en el dilema de tomar el camino correcto o seguir el instinto de conservación. Toda esta dinámica finalmente se refleja en decisiones de todo tipo, entre las cuales también se encuentran aquellas que tienen que ver con las lenguas y hemos vuelto a comprobar que las lenguas tal y como hoy las conocemos son producto de la política, que el azar tiene poco espacio en ella. Y, justamente por ello, también hemos encontrado en la música el terreno que nos ha mantenido donde debe ser. Ella ha sido el polo a tierra durante los avatares que a menudo han saturado las horas y los días. Hemos compartido con nuestros afectos más cercanos emociones profundas y ellos nos han mantenido firmes. Así que este post es una dedicatoria muy especial a todos ellos. Dedicatoria llena de música de cine en siete piezas.

La primera pieza es especialmente simbólica de este lapso de silencio, de sus avatares y de sus esperas. La música es la pieza incomparable que compuso el compositor italiano Ennio Morricone para la película "Il deserto dei tartari", de Valerio Zurlini (1976); película basada en la homónima obra maestra de Dino Buzzati, uno de los escritores italianos más importantes del siglo XX, publicada en 1940.

Ennio Morricone (OST "Il deserto dei tartari")

"The Promise" es nuestra segunda pieza. Hace parte de la banda sonora de "The Piano" (1993), de la directora neozelandesa Jane Campion. La música fue compuesta por el compositor británico Michael Nyman. Aquí está interpretada por la "City of Prague Philarmonic Orchestra". ¿Qué decir? La comunicación y el lenguaje van más allá de las palabras.

Michael Nyman (OST -"The Piano")

En efecto, la comunicación y las relaciones humanas son lo más complejo de nuestra vida. Y qué decir que día a día nos encontramos sumergidos, tratando de defendernos en esta red de vaivenes, fuerzas e intereses, unas veces visibles, y otras, las más, subrepticios. La tercera pieza es el tema principal de la banda sonora de "The last station" (2009), dirigida por el director estadounidense Michael Hoffman  y cuya música es del compositor ruso Sergey Yevtushenko.

Sergey Yevtushenko (OST - "The last station")

"Diferencia" es a menudo la palabra que más temor suscita entre quienes se sienten investidos de un poder absoluto. Y cuando esto sucede, sólo queda la agresión y el anulamiento del otro, normalmente en público. No es fácil luchar contra esta pulsión y mantenerse en el justo medio. La cuarta pieza se titula "The skies do not fall", perteneciente a la banda sonora de "Ágora" (2009), película dirigida por el director español Alejandro Amenábar. La música es del compositor italiano Dario Marianelli.

Dario Marianelli (OST - "Ágora")

Para la quinta pieza hemos continuado con Marianelli. Se titula "Your hands are cold", de la banda sonora de "Pride & Prejudice" (2005), dirigida por el director británico Joe Wright. La película es la más reciente versión cinematográfica de la novela homónima de Jane Austen. Al piano, uno de los pianistas más importantes del momento, el francés Jean-Yves Thibaudet. Junto con el temor a la "diferencia", el orgullo y los prejuicios nos acechan a cada momento. Si los alimentamos, nuestro interior se vuelve árido y yermo. Pero no ha sido así, esperemos.

Dario Marianelli (OST- "Pride & Prejudice")

"Sense and sensibility" es otra de las novelas de Austen que han sido llevadas al cine. En 1995 lo hizo el director taiwanés Ang Lee. Nuestra sexta pieza forma parte de la banda sonora de la película de Lee. Se titula "My Father's Favourite". Respecto a la quinta pieza aquí presentada, ésta respira serenidad y optimismo, a la vez que delicadeza. La música está compuesta por el compositor escocés Patrick Doyle.

Patrick Doyle (OST - "Sense and Sensibility")

De entre tanta buena música compuesta para el cine, como séptima pieza nos hemos decidido por "Chevaliers de Sangreal", de "The Da Vinci Code" (2006), dirigida por Ron Howard y basada en la novela homónima de Dan Brown. La música fue compuesta por el compositor alemán Hans Zimmer. En nuestro concepto, se trata de música potente y compleja, como las vicisitudes diarias. Las imágenes del video escogido presentan la partitura en transcripción y arreglo para piano, violín y cello. El audio es la versión original para orquesta. Y aquí volvemos a lo fascinante del lenguaje y de sus representaciones, de sus emociones y de su poder.

Hans Zimmer (OST - "The Da Vinci Code")

Han sido siete piezas que contienen simbolismos de nuestros meses de silencio. Sin embargo, propongo una octava pieza, un "bonus", titulado "Train", como símbolo de todo aquello que va y regresa, del movimiento pendular que nos hace pasar por las mismas estaciones, aunque ellas hayan cambiado a nuestro paso y de la introspección obligada a que nos vemos sujetos en este ir y venir, en este recorrido de aprendizaje. La pieza forma parte de la banda sonora de la película china "Zhou Yu's Train" (2002), dirigida por el director chino Sun Zhou. La música es del compositor japonés Shigeru Umebayashi.

Shigeru Umebayashi (OST - "Zhou Yu's Train")

Sexismo de las lenguas (2)

En la entrada anterior (bastante lejana por cierto, ofrezco excusas), citamos un artículo sobre el sexismo en lenguas como el español y el italiano. Así como la "invisibilización" y discriminación de la mujer (entre otros grupos) en muchas lenguas y culturas es bastante frecuente, no lo es menos que en una cultura dada existan tabúes que en otra son inexplicables. En estas semanas de silencio, vi varias veces una de las películas más delicadas (deliziose, diríamos en italiano) y sugerentes de los últimos tiempos. Se trata de la película japonesa "Shall we dansu?" (1996), del premiado director Masayuki Suo. En nuestra cultura occidental, es difícil pensar que el baile y, especialmente el baile en público pueda ser un tabú. Sin embargo, como lo relata el narrador al comienzo de la película, en Japón, sí lo es, y está ligado con otro tabú: el de expresar los propios sentimientos.

Propongo dos videos de esta interesantísima película, con subtitulos en inglés: el comienzo y el final. La banda sonora y el título retoman un clásico de los años 50, interpretado aquí de manera magistral por la cantante Onuki Taeko.

Experiencias con la Francofonía (IV): Oriente, tan lejos, tan cerca

Entre los hechos que generalmente se recuerdan de la presencia colonial francesa en África y Asia, se encuentran la dominación de Argelia (1830 - 1962) y de Indochina (1858 - 1954), el protectorado en Siria (1920 - 1946) y el Líbano (1920 - 1943), y las guerras de independencia en los años 40, 50 y 60 del siglo pasado. Sin embargo, menos conocido es que en ese período de poco más de cien años, en varios de aquellos territorios nacieron o crecieron importantes figuras de la literatura y cultura en francés. Quizá los más conocidos sean los escritores Albert Camus (1913 - 1960) y Marguerite Duras (1914 - 1996).

Nieto de emigrantes franceses, Camus nació en Mondovi, hoy llamada Dréan, pequeña ciudad de la costa oriental argelina. Obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1957. Murió en un accidente automovilístico en 1960. He aquí un fragmento (en italiano) de la película "La Peste" (1992) del director argentino Luis Puenzo, basada en la novela homónima de Camus. Aunque últimamente ha habido publicidad (¿desbordada?) sobre la gripa A, tal vez, la peste que nos acecha o carcome es más cotidiana. En la sección de archivos de la Télévision Suisse Romande se puede ver una entrevista en la que Camus expone sus ideas sobre el teatro.



Marguerite Duras nació un año después de Camus, pero a miles de kilómetros, en el pueblo de Gia Dinh, cerca de Saigón. Cuando tenía 17 años su familia regresó a Francia. Su carrera como escritora es de las más importantes de la literatura en francés del siglo XX. En la novela "L'amant" (1984) recuerda su infancia en la Indochina francesa. Por esta novela, ese mismo año obtuvo el Premio Goncourt. En 1991, el director francés Jean-Jacques Annaud realizó la película homónima, de la cual propongo el siguiente fragmento.

Experiencias con la Francofonía (III): las imágenes

Una de mis experiencias más recientes con la Francofonía ha sido el encuentro con el francés de Québec. En un trabajo documental que considero fundamental para el área de francés del Departamento de Lenguas Extranjeras de la Universidad Nacional de Colombia, en 2008 el profesor Francisco Ballén Torres hizo una descripción detallada del "québecois", es decir, del francés que se habla en las provincias canadienses de Québec y Nueva Brunswick. No se trata solamente de una descripción lingüística, sino también histórica y geográfica, que permite comprender por qué existe esta variante. Es la historia de una colonización truncada por el abandono de la metrópoli francesa de los habitantes que habían poblado estas regiones en honor del Rey. Es la historia de la tenacidad de ellos y de sus descendientes por preservar su identidad frente a los intentos de "anglicización" del Imperio Británico.

¿Cómo han logrado los quebequenses mantener su lengua y su identidad? Por la fuerza muchas veces, con la constancia siempre y con la "Révolution Tranquille" de los años 60 y 70 del siglo XX. Este último hecho constituyó un "salto de calidad" en el paso de la simple supervivencia de la cultura francófona al de su reafirmación y expansión: la "Révolution Tranquille" abarcó todos los ámbitos de la vida de Québec: político, económico, social y especialmente cultural.

El francés de Québec es a la vez un superviviente y un hijo que debió crecer "abandonado": muchas de sus características corresponden al francés del siglo XVII y otras a innovaciones propias. Uno de los cineastas más importantes de Québec ha sido André Melançon. En 1974 dirigió un interesante cortometraje titulado "Les tacots", cuya visión integral propongo aquí. La fuente es "L'Office National du Film du Canada"/"National Film Board of Canada". Una referencia sobre la historia del cine es la obra de Janis L. Pallister (1995)titulada "The cinema of Québec: masters in their own house", Fairleigh Dickinson Univ. Press, 599 p.

En este cortometraje se aprecia el "québecois" de la escuela, muy próximo al francés estándar y el "québecois" familiar, el que se escucha en la vida diaria y que causa tantos problemas al visitante que ha aprendido el francés estándar o que es nativo de otras regiones francófonas.

Langue française: ressources en ligne

Au grand portail de l'Agence Universitaire de la Francophonie (AUF), vous trouvez le portail sur les ressources en ligne pour la langue française. Il est destiné surtout aux Départements de Langue Française, aux filières de langue française et aux centres de recherche en langues, mais je le conseille à toutes les personnes intéressées à l'apprentissage du français, à la francophonie et à la culture francophone en général.

Je vous propose la chanson "Ô Nuit" du compositeur et théoricien français de la musique de la période néoclassique Jean-Philippe Rameau (Dijon, 1683 - Paris, 1764). La chanson fait partie du film "Les choristes" (2004) de Christophe Barratier, dont j'ai pris cet extrait. Pour moi, ce film a un fort pouvoir émotif et pédagogique.



HYMNE À LA NUIT
(version à 4 voix)

O Nuit, viens apporter à la Terre
Le calme enchantement de ton mystère.
L'ombre qui l'escorte est si douce !
Si doux est le concert de tes voix chantant l'espérance !
Si grand est ton pouvoir, transformant tout en rêve heureux.

2 couplet, chanté 2 fois

O Nuit, Oh! laisse encore à la Terre
Le calme enchantement de ton mystère.
L'ombre qui l'escorte est si douce !
Est-il une beauté aussi belle que le rêve ?
Est-il de vérité plus douce que l'espérance ?

L'histoire d'une autre femme et du mot "Périchole"

Dans le post du 22 février, j'écrivais (en espagnol) sur la violence contre les femmes et sur comment ceci a toujours été une caractéristique commune à toutes les cultures. J'y mentionnais aussi que, heureusement, quelques unes de ces cultures (notamment en Occident) cette abérration est en train de disparaître et que l'art s'en est bien occupé. Je faisais le parcours d'un des cas le plus étonnants dans l'histoire de l'art: celui du sacrifice de Lucy Ashton en Écosse à la fin du XVIIéme siècle. La Lucy réelle est devenue la fiancée chez la novelle de Sir Walter Scott et postérieurement la Lucia di Lammermoor de Cammarano et Donizetti pour l'opéra. Le cas de cette femme n'a pas connu de limites linguistiques ou artistiques.

Deux siècles après la mort de Lucy Ashton, en France Jacques Offenbach a composé la musique pour l'histoire d'une autre femme réelle, qui a vécu à Lima (Pérou) dans la seconde moitié du XVIII siècle et dont Prosper Mérimée s'était déjà occupé dans sa novella "Le Carosse du Saint- Sacrément" (voir le post du 26 février). Il s'agit de María Micaela Villegas y Hurtado (1748 - 1819). Elle a été l'une des actrices de théâtre les plus connues de son temps et son rapport amoureux avec Manuel de Amat y Juniet, Vice-roi du Pérou, lui a valu d'être surnommée "La Perricholi" (en espagnol) et "La Périchole"en français. Il semble qu'on doive chercher l'origine du mot espagnol dans l'expression "perra chola" (chienne métisse), surnom méprisant que la haute société de Lima a donné a Micaela à cause de son rapport "illégitime" avec le Vice-roi, bien quoiqu'il n'était pas épousé. "Et qui s'en fiche?", peut-être s'est écriée Micaela. D'autres sources indiquent que le mot vient d'une discussion entre Amat et Micaela. À cette occasion-là il l'aurait appelée "perra chola". Il aurait prononcé l'expression avec un fort accent catalan et les serviteurs auraient cru entendre "perre chole" ou "perri choli".

La légènde raconte que pour lui démontrer son amour il a fait construire quelques uns des palais les plus beaux de Lima, la forteresse de El Callao et des places parmi les plus belles de la ville. Le rapport a duré à peu près 15 ans, de 1761 à 1771. Il est fini quand Amat a dû retourner en Espagne où il a épousé María Francisca de Fivaller y de Bru en 1777. Pourquoi n'a-t-il pas emmené Micaela? C'est un mystère. Mais l'ex-Vice-roi et Micaela ont eu un fils: Manuel de Amat y Villegas, à qui rien de l'héritage de son père n'est allé lors de sa mort en 1782. En 1788, elle a épousé M. Vicente Fermín de Echarri, un entrepreneur de théâtre qui est mort en 1807. Micaela, de 71 ans mourait en 1819 et son fils aurait signé l'Acte d'Indépendence du Pérou en 1821.

Son histoire a été transmise pendant les siècles à travers la littérature, la musique, le théâtre et le cinéma. Parfois on dit que la Périchole a été le premier exemple des divas. Et son surnom a fait, lui aussi, un parcours linguistique et culturel fort intéressant: de l'espagnol ou du catalan, il est passé au français. En mars 2009 M. Ernesto Poblet a publié un intéressant écrit sur la vie de Micaela et de l'époque du Vice-roi Amat y Juniet (en espagnol).

Écoutons une pièce de la musique du Pérou colonial. Il s'agit du "Fandango" de Matías Maestro (1766 - 1835), de 1786 environ. La Périchole vivait encore. L'interprétation est du guitariste péruvien Javier Echecopar.

Violencia contra las mujeres: tema común a todas las culturas

Conozco mujeres que darían su vida por la de su compañero, esposo e hijos. Por la de su compañera. Por la de sus amigos. Por la de sus colegas. Conozco mujeres ante quienes los hombres se sienten inferiores porque ellas descollan por su inteligencia y capacidad de trabajo, o simplemente porque saben dar y recibir amor. También conozco (más cerca de lo que se piensa) mujeres tenebrosas capaces de traicionar a sus amigos y colegas. De hundir a otras mujeres (¿envidia, celos, complejo de inferioridad?). De matar a sus hijos, o de concebirlos a sabiendas de que los condenan a una vida de miseria. De condenar a sus hijas a las mismas condiciones de maltrato que ellas mismas han tenido que soportar.

Al fin y al cabo hombres y mujeres somos simplemente seres humanos y personas (en el sentido que tenía la palabra griega "persona", es decir, "máscara").

Desde hace años el combate a la violencia contra la mujer, entendida como discriminación, invisibilización, maltrato físico y psicológico, constituye tema de conversación, reflexión y legislación en muchos países, en complicidad cultural con tradiciones ancestrales del peor patriarcalismo y machismo. Por fortuna, en muchos de ellos, esas tradiciones se están abandonando. Pero en muchos otros predominan la necedad o el fanatismo religioso que condenan a las mujeres (y por ende a otros grupos, como los hombres y mujeres homosexuales) al cadalso o al sufrimiento.

En este contexto, conceptos de cultura como los que cité el 31 de agosto y el 4 de septiembre de 2007 encuentran, por lo tanto, mayor significación. Como parte fundamental de la cultura, tanto la literatura como la música y el cine reflejan estas concepciones, unas veces para dar cuenta de ellas, otras para sacarlas a la luz, otras para denunciarlas y, quizás también otras veces, desgraciadamente, para perpetuarlas.

Lo que las mujeres musulmanas se ven obligadas a padecer en nuestra época, lo padecieron las mujeres occidentales hasta hace un tiempo. Claro está que en Occidente aún hay muchos casos (un solo caso es ya de por sí aborrecible), denunciados o silenciosos, de violencia y discriminación contra las mujeres.

Remontémonos a 1669. Sur de Escocia. Comarca de Lammermuir Hills. En un contexto político bastante agitado, Lucy Ashton, pertenenciente a una familia de terratenientes, se compromemete en secreto con Lord Rutherford, del partido realista. Cuando la madre de Lucy se entera de que su hija se ha comprometido con un opositor político, la obliga a renunciar a él y a comprometerse con un hombre elegido por sus padres. La noche de su compromiso oficial, Lucy es presa de la desesperación, enloquece y más tarde muere sin recobrar la cordura. Esta historia fue transmitida en los siguientes 150 años y, a través de una tía, llegó a oídos de Sir Walter Scott (1771 - 1832), uno de los escritores británicos más famosos del siglo XIX. Scott se basó en este hecho y escribió una novela corta, titulada "The Bride of Lamermoor", que junto con otra novela corta titulada "Legend of Montrose" conforman la Tercera Serie de "Tales of My Landlord" (1819). Como muchas de las grandes obras literarias, su acogida fue fría, aunque el tiempo le haría justicia.

Más tarde, en 1835, Salvatore Cammarano (1801 - 1852), un libretista napolitano, retoma la historia de Scott y escribe en italiano el texto para una de las óperas más importantes de este género musical: "Lucia di Lammermoor", de Gaetano Donizetti (1797 - 1848). La ópera fue estrenada el 26 de septiembre de 1835 en el Teatro San Carlo de Nápoles. Por aquel tiempo Donizetti era un compositor consolidado y muy conocido, tanto en Italia como fuera de ella. El éxito de "Lucia di Lamermoor", comparable al de "Norma" de Bellini, atrajo la atención del público francés. Como se solía hacer, a la versión italiana de las óperas, se le hacía otra en francés. Así sucedió con "Lucia": "Lucie de Lammermoor" fue estrenada el 6 de agosto de 1839 en París. El libreto francés, basado en el texto italiano, fue escrito por Alphonse Royer y Gustave Vaëz. Aunque la versión francesa también tuvo bastante éxito, es la italiana la más conocida y representada en todo el mundo.

Este éxito no se limita a los escenarios operísticos. "Lucia di Lammermoor" está mencionada en novelas de la talla de "Madame Bovary" "Anna Karenina" o "El Conde de Montecristo". Varios fragmentos de la ópera han sido empleados en el cine, especialmente el de la Escena de la Locura ("Il dolce suono" - Acto II - Escena V). En mi opinión, esta escena representa lo insoportable de cualquier abuso, éste sí contra-natura. Veamos dos versiones: la primera, interpretada por la soprano italiana Mariella Devia en el Teatro alla Scala de Milán en 1992.



La segunda es la empleada por el director de cine francés Luc Besson para la película "El Quinto Elemento" (1997). En la película, la diva Plavalaguna, una diva extraterrestre del belcanto, interpreta la primera parte de esta aria. La voz es de la soprano albanesa Inva Mula Tchako. La actriz que personifica a la diva es la francesa Maïwenn Le Besco. Por ser francesa el título original es "Le Cinquème Élément", pero es más conocida la versión en inglés. El fragmento propuesto pertenece a la versión francesa. ¡Qué bien, es reconfortante saber que en el siglo XXV el italiano no será una lengua muerta! Además, la diva lleva el secreto de la salvación del mundo ... en italiano, y este secreto sólo puede materializarse con Leeloo, la otra protagonista de la película, interpretada por la estadounidense de origen ucraniano Milla Jovovich.



Uno de los innumerables casos de maltrato a las mujeres fue inmortalizado en tres lenguas (inglés, italiano y francés) y en tres géneros artísticos (literatura, ópera, cine).

Dedico este artículo a todas aquellas que personifican lo mejor del género humano, como Lucy, Lucia, la diva o Leeloo.

Istambul: capitale culturale europea 2010

In Europa c'è una città unica perché ponte tra l'Oriente e l'Occidente. Infatti, fu durante molti secoli la continuatrice della cultura greco-latina, anche se più greca che latina: l'antica Costantinopoli, capitale dell'Impero Bizantino dal 486 d.C fino al 1453. Dopodiché, con il nome di Istambul, divenne la capitale dell'Impero Ottomano, fino al 1923, ormai ai tempi della moderna Turchia, anno in cui la capitale fu trasferita ad Ankara. Tuttavia, ancora oggi Istambul continua ad essere il cuore economico e culturale della Turchia.

Nel 2010 Istambul sarà la capitale culturale europea. Nel frattempo, ecco un bel brano del gruppo italiano "Agricantus" o "Trancendental", originario dalla Sicilia. Il suo stile musicale è anch'esso un ponte tra l'Occidente e l'Oriente. Il brano fa parte della colonna sonora del film "Hamam - Il bagno turco", con cui il regista turco naturalizzatosi italiano Ferzan Özpetek si è fatto conoscere nel 1997.



Eccone il testo originale in turco, e una versione in italiano.

İSTAMBUL UYURKEN

İstanbul uyurken
ona anlat beni
Kalamış akşamlarını

Demli çayları
Köhneyi anlat
seni çok sevdiğimi

Düğümlü yolları
çıkmaz sokakları
yarın yarın diyerek
geçen zamanı

İstanbul uyurken
dinle geceyi
yıldızlar beni anlatır sana

Belki gelirim
uçup rüzgarla
aç kollarını

Sarıl havaya
beni al, bırakma
yarın yarın diyerek
geçen zamanı

İstanbul uyurken
ona anlat beni
Kalamış akşamlarını

Demli çayları
Köhneyi anlat
seni çok sevdiğimi

Yanlış bilmesin.


MENTRE ISTAMBUL DORME

Mentre Istanbul dorme,
raccontagli di me,
delle serate di Kalams.

Raccontagli dei tè densi
e di Kòhnè,
di quanto ti ho amato.

Raccontagli delle strade nodose,
senza uscite, ripetendo
"domani, domani",
raccontagli del tempo che passa.

Mentre Istanbul dorme,
ascolta la notte,
le stelle ti racconteranno di me.

Forse venni col vento, abbraccia l'aria,
prendimi senza lasciare.
Mentre Istanbul dorme, raccontagli di me,

Prendimi abbracciando l’aria.
Non mi abbandonare
ripetendo "domani, domani",
poiché il tempo passa.

Mentre Istanbul dorme,
raccontagli di me,
delle serate di Kalams.

Raccontagli dei tè densi
e di Kòhnè,
di quanto ti ho amato.

Digli di non sbagliare.